ALAN CHARLTON CLAIRE FONTAINE ULL HOHN SERGEJ JENSEN KITTY KRAUS NICK MAUSS ANDREAS SLOMINSKI FRANCESCO VEZZOLI
Press Release:
To „review“ implies making a critical examination, or revisiting something that one has learned: to look back at something, with distance. The exhibition „Review“ at Galerie Neu joins works by seven artists who through different media and forms all offer a reflection on the nature of surface and abstraction. Through play with materials and/or modes of production, each artist in „Review“ challenges the viewer to consider notions of two dimensionality, materiality and painting as object.
In the mid 1990’s Francesco Vezzoli began a series of embroidered works that used paintings by Josef Albers as literal patterns for embroidery. As the title of the piece in „Review“ indicates, HOMAGE TO JOSEF ALBERS'S "HOMAGE TO THE SQUARE" (FADE TO GREY), these works are tributes to Abers’ achievement. More importantly, however, they also constitute an attempt at repositioning Albers’ work into a new critical and gendered discourse. In his embroidery, Vezzoli conflates the work of Albers and his wife Anni, replacing flat opticality with a sewn tactility more familiar in the domestic sphere than in the white cube. The monochrome denim surface of Andreas Slominski’s work „Bilder aller Türklinken, aller Türen auf Erden“ (Painting of all doorknobs of all doors on Earth), also casts a similar historical glance. Reminiscent of modernist monochromes or Yves Klein’s blue surfaces, Slominski’s „painting“ is, however, made from the most ubiquitous, banal material: ordinary denim. As such, Slominski slyly plays with principles of universality, replacing the modernist attempt to achieve universality through purity of form with an expanse of material, which is universally available and entirely familiar. Further takes on the trope of the monochrome come in the form of works by Sergej Jensen and British artist Alan Charlton. Jensen’s white monochrome is made up of layer upon layer of primers and glazes, which the artist has laboriously applied and then sanded down. The result is a painting of nothing but the materials of its making. Charlton’s work, on the other hand, expands the dimensions of the monochrome surface, extending the canvas onto the gallery wall.
The „artist“ Claire Fontaine extends her own critical practice in this exhibition to paintings that question the relationship between sign and painting, signifier and object. In two series, „pills“ and „secret paintings“, Fontaine has contracted out paintings to sign painters in Mexico. In the „pill“ paintings, the viewer is presented with a metaphorical representation of an advertisement for commodities (pills). The object of the painting itself is, of course, a commodity as well. Fontaine highlights this fact not only through the depicted subject matter, but also through the fact the painting has already been bought and sold prior to exhibition as part of the chain of commerce which has taken place between the „artist“ and commercial artists who produced the work. In the series „secret painting“, hands are shown typing in a pin-code on an ATM. The images are lifted from warnings on cash machines to conceal one’s secret code. The paintings, therefore, are representations of something invisible, flip-flopping between abstraction and literal signs. Nick Mauss generally makes works on paper that incorporate elements of printed matter (framing or serial repetition of forms, for example) with painterly gesture. In his new sculptural works, primed aluminum is printed with elements from Mauss’ own drawings and then cut and folded up. The aluminum becomes a physical representation of the two dimensional page while the mark of the hand is mechanized through the printing process. Kitty Kraus’s works made of men’s suit fabric also investigate a place between sculpture and drawing. Cutting up the cloth and then laying it on the ground, or draping it between wall and floor, Kraus alludes to both a history of modernist abstraction and the body, which she presents as a set of dismembered forms.
Ull Hohn’s untitled work from 1994 also alludes to the body through a series of shiny, lacquered but bumpy panels painted in a Caucasian skin tone. The panels are arranged around a shelf and each panel is labeled with an adjective. The words, such as „debauched“, „gentle“, or „licentious“ appear to refer to stereotypes of gay sexuality. In orchestrating this arrangement on and around the shelf, Hohn’s luscious, labeled panels mount a moving critique of abstraction removed from social politics, commodity, prejudice and desire. Galerie Neu is pleased to present „Review“ for the remainder of 2008. For further information, please contact the gallery at mail@galerieneu.com or 49 30 285 7550.
Pressetext:
„To review“ bedeutet kritisch betrachten, oder aber, zu etwas zurückzukehren, was man früher einmal gelernt hat: aus der Distanz auf etwas zurückzublicken also. Die Ausstellung „REVIEW“ in der Galerie Neu bringt Arbeiten von sieben KünstlerInnen zusammen, die alle durch unterschiedliche Medien und Formen über das Wesen der Abstraktion reflektieren. Durch das Spiel mit Materialien bzw. Produktionsweisen fordert jede KünstlerIn in „Review“ die BetrachterInnen dazu heraus, Begriffe wie Zweidimensionalität, Materialität, und Malerei als Gegenstand zu überdenken.
Mitte der neunziger Jahre begann Francesco Vezzoli eine Serie von Stickarbeiten, die Gemälde von Josef Albers wortwörtlich als Muster für Stickerei benutzen. Wie der Titel der Arbeit in „Review“ andeutet – HOMAGE TO JOSEF ALBERS'S "HOMAGE TO THE SQUARE" (FADE TO GREY) –, sind diese Arbeiten eine Hommage an Albers’ Kunst. Wichtiger allerdings ist, dass sie einen Versuch darstellen, Albers Arbeiten einem neuen kritischen Diskurs zu unterwerfen, der u.a. auch Genderfragen betrifft. In seiner Stickerei verschmelzen die Arbeiten von Albers und die seiner Frau Anni und ersetzen eine flache Visualität mit einer genähten Taktizität, die eher mit der häuslichen Sphäre assoziiert wird als mit dem White Cube. Die monochrome Denim-Oberfläche von Andreas Slominskis Arbeit Bilder aller Türklinken, aller Türen auf Erden wagt einen ähnlich historischen Blick. Zwar erinnert Slominskis „Gemälde“ an modernistische monochrome Malerei oder Yves Kleins blaue Oberflächen, ist aber aus dem allgegenwärtigsten, banalsten Material hergestellt: gewöhnlicher Jeansstoff, Denim. So spielt Slominski schlau mit Prinzipien der Universalität und ersetzt den modernistischen Versuch, Universalität durch die Reinheit der Form zu erreichen, mit einer Fläche aus einem Stoff, der universell zur Verfügung steht und allgemein bekannt ist. Weitere Interpretationen des Topus des Monochromen sind die Arbeiten von Sergej Jensen und des britischen Künstler Alan Charlton. Jensens weißes monochromes Bild besteht aus Schichten von Grundierfarbe und Glasur, die der Künstler aufgetragen und dann wieder abgeschmirgelt hat. Das Ergebnis ist ein Gemälde von nichts außer den Materialien, aus denen es gemacht wurde. Charltons Arbeit andererseits erweitert die Dimensionen der monochromen Oberfläche, indem er die Leinwand auf die Galeriewand ausdehnt. Die „Künstlerin“ Claire Fontaine erweitert ihre eigene kritische Praxis in dieser Ausstellung auf die Gemälde, die die Beziehung zwischen Zeichen und Malerei, Signifikant und Gegenstand hinterfragen. In zwei Serien, Pills und Secret Paintings, hat Fontaine Malereiaufträge an Schildermaler in Mexiko vergeben. In den Pill-Gemälden werden dem Betrachter metaphorische Darstellungen einer Anzeige für Waren (Pillen) präsentiert. Der Gegenstand des Gemäldes ist selbst natürlich auch eine Ware. Fontaine unterstreicht dies nicht durch das dargestellte Thema, sondern auch durch die Tatsache, dass das Gemälde vor der Ausstellung bereits ge- und verkauft wurde als Teil einer Handelskette zwischen der „Künstlerin“ und dem kommerziellen Maler, der die Arbeit hergestellt hat. In der Serie Secret Paintings werden Hände gezeigt, die einen PIN-Code in einen Geldautomaten eintippen. Die Bilder stammen von den Warnungen auf Geldautomaten, dass man seine PIN geheimhalten sollte. Die Bilder sind also demnach Darstellungen von etwas Unsichtbarem, die zwischen Abstraktion und buchstäblichen Zeichen hin und herpendeln. Nick Mauss macht vor allem Papierarbeiten, die Elemente von Drucksachen (das Rahmen oder die serielle Wiederholung von Formen beispielsweise) mit malerischer Geste einbeziehen. Bei seinen neuen skulpturalen Arbeiten wird grundiertes Aluminium mit Elementen seiner Zeichnungen bedruckt und anschließend geschnitten und gefaltet. Das Aluminium wird eine konkrete Repräsentation des zweidimensionalen Papiers, während der Abdruck der Hand durch das Druckverfahren mechanisiert wird. Kitty Kraus’ Arbeiten aus Herrenanzugsstoff erkunden ebenfalls einen Ort zwischen Skulptur und Zeichnung. Indem sie den Stoff zerschneidet und dann auf den Boden legt oder ihn zwischen Wand und Boden drapiert, verweist Kraus sowohl auf eine Geschichte der modernistischen Abstraktion und des Körpers, den sie als eine Gruppe von zerlegten Formen präsentiert. Ull Hohns unbetitelte Arbeit von 1994 besteht aus einer Serie von glänzenden, lackierten, aber unebenen Tafeln, die in hellen Hauttönen angemalt sind. Die Tafeln sind um ein Regal herum arrangiert, und jede von ihnen ist mit einem Adjektiv beschriftet. Worte wie „debauched“ [verkommen, liederlich], „gentle“ [zart] oder „licentious“ [zügellos] beziehen sich anscheinend auf Stereotypen schwuler Sexualität. Mit diesem Arrangement auf und um das Regal herum errichten Hohns üppige Tafeln eine ergreifende Kritik einer Abstraktion, sie sich von Gesellschaftspolitik, Waren, Vorurteilen und Begehren entfernt hat.
Galerie Neu freut sich, REVIEW für den Rest des Jahres 2008 zu präsentieren. Für weitere Informationen kontaktieren Sie bitte die Galerie unter mail@galerieneu.com oder 49 30 285 7550.
